Themen
Die frühen Jahre der Modefotografie
In den 1910er-Jahren begann die Modefotografie, die Illustration in Zeitschriften wie Vogue und Harperʼs Bazaar zu ersetzen, und entwickelte sich bald zu einem zentralen und eigenständigen Genre in der Geschichte der Fotografie. Fotografen wie George Hoyningen-Huene und sein Protegé Horst P. Horst wurden berühmt für ihre inszenierten, eleganten Modeaufnahmen, die mit Licht und Schatten klassische Formen wieder aufleben liessen. In diesen frühen Jahren waren es oft Schauspielerinnen und Damen der Gesellschaft, die als Modelle für Modezeitschriften posierten.
Zur gleichen Zeit begannen Fotografen wie Martin Munkácsi und Toni Frissell im Freien zu fotografieren und prägten damit das Bild einer sportlichen, selbstbewussten und zunehmend unabhängigen Frau. Im November 1933 erhielt der in Ungarn geborene Fotojournalist Munkácsi von Carmel Snow, der Moderedakteurin von Harperʼs Bazaar, den Auftrag, Bademode für die Dezemberausgabe zu fotografieren, und er gestaltete das erste Outdoor- und In-Motion-Editorial, das wegweisend in die Geschichte der Modefotografie einging. Snow erinnerte sich in ihren Memoiren: «Der Tag war kalt, ungemütlich und trüb – alles andere als passend für ein ‘glamouröses Resort’-Foto. Munkácsi sprach kein Wort Englisch, und sein Freund schien ewig zu brauchen, um für uns zu übersetzen. Munkácsi begann wild zu gestikulieren. ‘Was will Munkásci von uns?’ Es schien, als wolle er, dass das Model auf ihn zu rennt. Eine solche ‘Pose’ war in der Mode zuvor noch nie gezeigt worden.»
Cecil Beaton, Toni Frissell, Horst P. Horst, George Hoyningen-Huene, Martin Munkácsi, Norman Parkinson
Street Style: Die Anfänge
Den Street Style in Paris und an der Côte dʼAzur – elegante und lässige Looks – hielt Jacques Henri Lartigue fotografisch fest. Eines seiner Lieblingsmodelle war seine Frau Florette, die er 1942 heiratete. Er nahm sie oft in spontanen Posen auf und dokumentierte damit auch ihren Modestil. Lartigue hielt sich regelmässig an der Côte dʼAzur auf und hier, in Nizza, Cannes, Antibes und Monaco, entstanden viele seiner schönsten Bilder. Er fotografierte aber auch anonyme Damen, die auf den städtischen Boulevards flanierten und hielt so die wechselnden Moden, die Kultur und das Strassenleben im Paris des frühen 20. Jahrhunderts fest.
Helen Levitt hingegen porträtierte Anfang der 1940er-Jahre Frauen auf den Strassen New Yorks und hielt flüchtige Momente und das Alltagsleben in Vierteln von Manhattan wie der Lower East Side und Spanish Harlem oder in der Bronx fest. Die amerikanischen Fotografen Homer Page, Frank Paulin und Vivian Maier beobachteten aufmerksam, wie sich Passanten unterschiedlicher sozialer Herkunft durch die Stadt bewegten, und schufen Werke, die besonders eindrucksvoll sind, weil sie das wirkliche Leben dokumentieren.
Jacques Henri Lartigue, Helen Levitt, Vivian Maier, Homer Page, Frank Paulin
Der New Look
Irving Penn, der für die amerikanische Vogue die Haute-Couture-Kollektionen in Paris fotografierte, arbeitete weiterhin auf klassische Weise im Studio und konzentrierte sich auf die Couture-Kleider, deren Schnitte, Texturen und Details er exakt wiedergab.
Obwohl die grossen Fotografen dieser neuen Ära noch mit der klassischen Bildsprache der vorangegangenen Jahrzehnte verbunden waren, begannen sie, ihren eigenen, innovativen Look zu schaffen, und sich bewusst von der Förmlichkeit und dem Elitären ihrer Vorgänger zu lösen. Frank Horvat und William Klein brachten in den 1950er-Jahren ihre Modelle aus dem Studio hinaus in die urbanen Strassen von Paris, Rom und New York. Klein resümierte später: «Ich bin stets der Verpflichtung nachgekommen, die Kleidung zu zeigen. Scharf, alle Knöpfe, Falten und so weiter. Solange ich das tat, konnte ich mit dem Rest so ziemlich alles machen, was ich wollte – Hintergründe, Einstellungen, Situationen… Ich glaube, den Redakteuren war es egal, solange der Leser die Seiten nicht zu schnell umblätterte.»
Diese Entwicklung, die einen frischen Look in die Modefotografie brachte, wurde weltweit durch Zeitschriften wie Vogue und Harperʼs Bazaar verbreitet, die damit zum ersten Mal ein breiteres Publikum erreichten.
Louise Dahl-Wolfe, Gleb Derujinsky, Ormond Gigli, William Helburn, Frank Horvat, Walde Huth, William Klein, Frances McLaughlin-Gill, Tom Palumbo, Norman Parkinson, Gordon Parks, Irving Penn, Jerry Schatzberg, David Seidner
Revolution!
In diesem Jahrzehnt wurden die Models zu Berühmtheiten. Und neue Modeltypen wie Jean Shrimpton, Twiggy, und Veruschka – letztere trat 1966 in Michelangelo Antonionis legendärem Film «Blow-Up» auf – erlangten grosse Bekanntheit.
Das Fernsehen spielte in den 1960er-Jahren auf seinem Weg zum Massenmedium eine kulturell wie künstlerisch wichtige Rolle, und dank der immer populärer werdenden Flugreisen, zog es Fotografen für ihre Modeaufnahmen an exotische Orte. Hiros berühmte Fotografie von Tilly Tizzani mit blauem Schal entstand auf den Westindischen Inseln; Franco Rubartelli fotografierte das deutsche Model Veruschka im berühmten Safarianzug von Yves Saint Laurent in der Zentralafrikanischen Republik. Veruschka erschien wie eine «Glamazone» und brachte damit das neue Frauenbild und den Zeitgeist der Epoche zum Ausdruck: die individualistische und unabhängige Frau, selbstbestimmt, abenteuerlustig und offen für Neues.
Doch das Epizentrum des Stils, der Kultur und der Mode der 1960er-Jahre war «Swinging London», das von David Bailey und Twiggy ebenso geprägt wurde wie von den Beatles und dem Minirock. Die legendäre Chefredakteurin der amerikanischen Vogue, Diana Vreeland, brachte es 1965 auf den Punkt: «Ich liebe London. Es ist die schwungvollste Stadt der Welt.»
Richard Avedon, David Bailey, Gian Paolo Barbieri, Terence Donovan, Hiro, Peter Knapp, Robert Mapplethorpe, James Moore, Norman Parkinson, Bob Richardson, Franco Rubartelli, Francesco Scavullo, Jeanloup Sieff, William Silano, Christian Skrein, Melvin Sokolsky, Bert Stern
Street Style: 1960er-70er Jahre
Garry Winogrand ist einer der Fotografen, von dem man sagt, er habe die amerikanische Gesellschaft der 1960er- und 1970er-Jahre auf dem Höhepunkt des Feminismus und der sexuellen Revolution eingefangen, indem er die selbstbewusste, freie, rebellische und schöne Frau in einer Schnappschussästhetik im Alltag festhielt. Er fotografierte mit einer 35-mm-Leica auf der Strasse und in Parks und veröffentlichte diese Serie 1975 in seinem Buch «Women are Beautiful».
Seit den 1960er-Jahren wurden berühmte Models zu Vorbildern für Frauen auf der ganzen Welt, und Modemagazine beeinflussten ihren Stil und ihre Lebensweise. Prêt-à-porter (Kleidung von der Stange) ermöglichte es einem breiteren Publikum, sich modisch zu kleiden. Wie die britische Modedesignerin Mary Quant im Jahr 1966 resümierte: «Der Sinn der Mode besteht darin, modische Kleidung für jedermann erschwinglich zu machen.» Pierre Cardin, Emanuel Ungaro und Yves Saint Laurent gehörten zu den europäischen Designern, denen es gelang, die Ästhetik der Haute Couture erfolgreich auf die Konfektionsmode zu übertragen, indem sie gewagte und futuristische Designs entwarfen, die junge Leute im Alltag tragen konnten.
Harry Callahan, Harold Chapman, Morris Engel, Harold Feinstein, Lee Friedlander, Ron Galella, Jacques Henri Lartigue, Leon Levinstein, Joel Meyerowitz, Garry Winogrand
Sex & Provokation
Fotografen wie Guy Bourdin und Helmut Newton überschritten in den 1970er-Jahren die Grenzen der Modefotografie mit Bildern, die nicht nur Nacktheit, sondern auch Verweise auf die Welt des Fetischs und der sexuellen Fantasie enthielten – etwas, das ein Jahrzehnt zuvor noch undenkbar gewesen wäre. Diese Bilder erschienen nicht im Playboy, sondern bemerkenswerterweise in der Vogue.
Newton schuf Werke, die High Heels und Powerfrauen fetischisierten und die eine komplexe, sich verändernde Machtdynamik zwischen Männern und Frauen thematisierte. Bourdin kreierte Bilder, die sich mehr auf surreale Erzählungen und Tableaus konzentrierten. Seine ikonischen und vielfach zitierten Kampagnen für den Modedesigner Charles Jourdan machten den Schuh zu einem Fetischobjekt.
Ellen von Unwerths Werk eröffnet eine weibliche Perspektive auf «Sex & Provokation». Ihre fotografische Handschrift ist geprägt von ihrem Frauenbild: «Ich wollte schon immer dieses glamouröse Mädchen erschaffen, aber sie auf eine ganz natürliche Weise einfangen. Sie so fotografieren, dass es nicht zu gestellt oder übertrieben manieriert wirkt. So sehe ich Frauen einfach. Sie erscheinen mir schön und sexy, aber auch stark und in voller Kontrolle über ihr Image – befreit und selbstbewusst.»
Dieses Thema zeigt, dass Sexyness ein Konzept ist, das seit den 1970er Jahren – bis heute – immer wieder neu definiert werden kann.
Gian Paolo Barbieri, Guy Bourdin, Jim Lee, Robert Mapplethorpe, Craig McDean, Steven Meisel, Helmut Newton, Norman Parkinson, Walter Pfeiffer, Juergen Teller, Mario Testino, Ellen von Unwerth, Chris von Wangenheim
Fiktion & Fantasie
Walker erklärte: «Ich möchte, dass die Menschen meine Fotografien auf die gleiche Weise betrachten wie Filme im Kino, die sie für einen kurzen Moment ihre Realität vergessen und in eine andere, fremde, bessere Welt eintauchen lassen.»
Abenteuer, Zirkus, Kostüme und Tiere beflügeln seit frühester Kindheit die Fantasie von Esther Haase, eine Traumwelt, die zur Bühne für ihre Modefotografien geworden ist. Als «inszenierte Reportagen» beschreibt Haase ihre Shootings, die kinematografisch arrangiert und ausgeleuchtet sind. Wie in einem Film schlüpft das Model in eine Rolle und erfüllt die Haute-Couture-Roben mit pulsierendem Leben.
Als Cindy Sherman 1993 von Harperʼs Bazaar eingeladen wurde, die Frühjahrskollektion zu präsentieren, ging sie noch einen Schritt weiter: Sie verwandelte sich selbst in einen Hofnarren und inszenierte sich für die Kamera in Dior Haute Couture.
Die Werke dieser Künstler zeigen eine Fantasiewelt, die eine perfekte Plattform für die Mode ist, in der es oft um Realitätsflucht und Illusion geht. In vielen Arbeiten wird die Mode zur Nebensache, während die Inszenierung und das Narrativ im Mittelpunkt stehen.
Ruven Afanador, Miles Aldridge, Tina Barney, Esther Haase, Steven Meisel, Rankin, Cindy Sherman, Tim Walker
Unreal
Später, in den 1980er-Jahren, entdeckte Nick Knight das manipulative Potenzial des fotografischen Mediums wieder – noch vor den Anfängen von Photoshop. Er erinnerte sich: «Ich arbeitete mit [dem Analogdrucker] Brian Dowling zusammen, nahm das Negativ und trennte die Farben voneinander, arbeitete mit Cross Processing und benutzte Masken und Vorblitze, um die Abzüge farblich zu überlagern. Wir brauchten etwa drei bis vier Tage für einen Abzug, experimentierten, loteten immer wieder neue Möglichkeiten aus und erweiterten die Parameter der Fotografie.»
Das niederländische Fotografenduo Inez & Vinoodh gehörte zu den Ersten, die sich Anfang der 1990er-Jahre – zu einer Zeit als Photoshop noch in den Kinderschuhen steckte – mit digitaler Manipulation beschäftigten. Für das britische Magazin The Face kombinierten Inez & Vinoodh Studioaufnahmen von Models digital mit Archivbildern, um einen hyperrealistischen Effekt zu erzielen. Sie machten die mittlerweile allgegenwärtige Bildbearbeitungssoftware zu einem integralen Bestandteil ihres kreativen Prozesses, der genauso wichtig war wie die Kamera: Das Verändern von Fotos wurde ebenso essenziell wie das Fotografieren selbst.
Seit Mitte der 1990er-Jahre tauchten auf den Seiten der Modemagazine eine völlig neue Art von Bildern auf, die erst durch die sich ständig weiterentwickelnden Technologien möglich wurden.
Lillian Bassman, Erwin Blumenfeld, Inez & Vinoodh, Nick Knight, Roxanne Lowit, Gösta Peterson, Paolo Roversi, David Seidner, Cindy Sherman
Romantik
Ihre Arbeiten, wie auch die der anderen Künstler dieses Themenbereichs beziehen sich gleichermassen auf die Malerei wie auf die Fotografie. «Malerei, Fotografie, Musik, Film, Literatur, das Leben … alles, was ich liebe, hat mich beeinflusst», sagte Moon in einem Interview mit Nicola Erni. Moon ist vor allem für ihre Polaroids bekannt. In Unschärfe gehüllt, sind ihre Bilder romantisch, aus der Zeit gefallen und ähneln eher einer traumhaften Fantasie als der Realität. Turbevilles Arbeiten hingegen haben eine melancholische und filmische Qualität, die beim Betrachter eine emotionale Reaktion hervorruft – eher eine Seltenheit in der Modefotografie.
Paolo Roversi, ein begnadeter Kolorist und visueller Poet, schafft Werke, die sowohl der Malerei als auch der Fotografie nahestehen. Seine Modefotografien sind zeitlos, und sein unverwechselbarer Stil gründet vor allem auf Manipulationen mit Langzeitbelichtung. Seine Arbeiten zeichnen sich durch ein intensives Wechselspiel von Schatten, Farbe und Licht und eine malerisch-romantische Grundstimmung aus.
Die Künstler verfeinern ihre Drucktechniken oftmals durch die Verwendung von Polaroids, Fresson-Abzügen, Kohlepigmentdrucken, Platindrucken oder getonten Silbergelatine-Abzügen, um so eine breitere Farbpalette und eine weich erscheinende Oberfläche zu erzielen, die ihrem romantischen Ansatz zusätzlich Ausdruck verleiht.
Patrick Demarchelier, Arthur Elgort, Erik Madigan Heck, Saul Leiter, Toni Meneguzzo, Sheila Metzner, Steven Meisel, Sarah Moon, Cathleen Naundorf, Paolo Roversi, David Seidner, Elfie Semotan, Deborah Turbeville, Tim Walker
Ungefiltert
Die späten 1980er- und 1990er-Jahre sahen den Aufstieg der Supermodels, die durch Peter Lindbergh berühmt wurden. Als Lindbergh von der amerikanischen Vogue 1988 zum ersten Mal für ein Shooting engagiert wurde, bat er den Stylisten, schlichte weisse Hemden mitzubringen – und in diesem Look fotografierte er fünf junge Models am Strand von Santa Monica in Kalifornien. Das Ergebnis zeigt selbstbewusste Frauen mit zurückgebundenen Haaren und ohne Make-up. Mit seinem natürlichen und direkten Blick schuf Lindbergh die Supermodels, die zu einflussreichen Ikonen und Vorbildern wurden und den Stil der kommenden Jahre prägten.
Bezüge zur klassischen Kunst – insbesondere im Hinblick auf die Inszenierung des athletischen Körpers – sind charakteristisch für die Arbeiten von unter anderem Herb Ritts und Bruce Weber. Vor allem Weber, der zwischen 1979 und Mitte der 1990er-Jahre zahlreiche ikonische Kampagnen für Calvin Klein produzierte, war prägend für diese Zeit. Sein markantes Foto von Carré Otis auf einem Motorrad entstand 1991 für die Jeans-Kampagne von Calvin Klein und Weber resümierte später: «Ich hatte das Glück, viele Rockgruppen zu treffen und zu fotografieren, und ich wollte etwas von diesem Lebensgefühl in die Bilder dieser Kampagne einfliessen lassen.»
In den späten 1980er-Jahren erfolgte eine bewusste Rückkehr zur Schwarz-Weiss-Fotografie – ohne den Glanz und Glamour, den beispielsweise die Arbeiten von Guy Bourdin im Jahrzehnt zuvor ausstrahlten. Reine und direkte Porträts prägen die Bildsprache der Fotografen. Ihre Arbeiten sind viel weniger inszeniert und steif, sondern lassen einen einfachen, fliessenden und direkten Dialog zwischen Fotograf und Model zu.
Ruven Afanador, Peter Lindbergh, Stephanie Pfriender Stylander, Herb Ritts, Albert Watson, Bruce Weber
Street Style: 1980er Jahre bis heute
Cunningham, der als Pate der Street Style-Fotografie gilt, hielt in den Strassen New Yorks Ausschau nach ganz gewöhnlichen Menschen in stylischen Looks und kam zum Schluss, dass «die beste Modenschau definitiv auf der Strasse stattfindet. Das war schon immer so und wird auch so bleiben».
Damit war Cunningham späteren Style-Bloggern wie Schuman und Ton um Jahrzehnte voraus. Die beiden letzteren fotografierten Fashionistas auf den Strassen oder während der internationalen Modewochen in Mailand, Paris, London und New York seit 2005, als die Obsession der Modeindustrie für den Street Style begann.
Scott Schuman startete 2005 seinen berühmten Street Style-Blog «The Sartorialist», eine Hommage an die Mode auf der Strasse und wie sie getragen wird. Im Gegensatz zur Modefotografie in Hochglanzmagazinen, die das weibliche Schönheitsideal sorgfältig in Szene setzt, zeigt die Street Style-Fotografie nicht unbedingt Models, sondern schicke und gestylte Menschen wie Franca Sozzani, die ehemalige Chefredakteurin der Vogue Italia, und andere auffallend gekleidete Besucher von Modeschauen oder auch einfach nur Menschen im Alltag, die sich kreativ und aussergewöhnlich kleiden.
Mittlerweile haben Modeblogs und «Street Style»-Fotografen durch soziale Medien und das Internet das Terrain der klassischen Modemagazine erobert.
Shoichi Aoki, Amy Arbus, Bill Cunningham, Ron Galella, Anthony Hernandez, Scott Schuman (The Sartorialist), Tommy Ton
Die nächste Generation
Sowohl in der zeitgenössischen Mode als auch in der Fotografie sind Diversität und Genderfluidität relevante Themen, die den aktuellen Zeitgeist widerspiegeln.
Tyler Mitchell und Nadine Ijewere, die in der New Black Vanguard verwurzelt sind, verschmelzen in ihren Arbeiten das Genre der Kunst mit dem der Modefotografie, um die seit Langem etablierten Grenzen zu überwinden. Mitchell, der für seine Werke bekannt ist, in denen er die Schönheit des afroamerikanischen Lebens zelebriert, hatte bereits seine eigene Bildsprache in der Modefotografie gefunden, als er 2018 als erster afroamerikanischer Fotograf das Cover der amerikanischen Vogue fotografiert.
Alasdair McLellan verzichtet auf die digitale Fotografie, die die meisten seiner Kollegen verwenden, und seine Ästhetik verkörpert den von der urbanen Jugend favorisierten Sport-Chic. Harley Weir hingegen zelebriert die moderne Weiblichkeit und das feminine Selbstverständnis durch die Intimität und Farbgebung ihrer Bilder.
Die Zukunft der Modefotografie ist jedoch völlig offen, und das neue Zeitalter der künstlichen Intelligenz (KI) hat gerade erst begonnen. Für die Mai-Ausgabe 2023 der Vogue Italia hatte sich die niederländische Fotografin Carlijn Jacobs zum Ziel gesetzt, die Hintergründe ihrer Modefotografien mithilfe von KI zu erstellen. In Zusammenarbeit mit dem Künstler Chad Nelson stellte sie sich der Herausforderung, ihre kreative Vision in geeignete Schlüsselwörter für das KI-Tool zu übersetzen: «Die Erstellung dieser hybriden Bilder erwies sich als komplexer und zeitaufwendiger als erwartet. Um die Arbeit in angemessener Zeit beenden zu können, musste ich die meisten der von der KI erstellten Bilder mit Photoshop bearbeiten.»
Nadine Ijewere, Carlijn Jacobs, Alasdair McLellan, Tyler Mitchell, Tyler Shields, Emma Summerton, Harley Weir
Vom Magazin zum Kunstwerk
Bereits 1914 stellte die amerikanische Vogue den ersten fest angestellten Modefotografen ein. Die erste Fotografie auf dem Cover wurde 1932 veröffentlicht – eine Farbaufnahme von Edward Steichen. In den folgenden Jahren schufen Pioniere wie George Hoyningen-Huene, Horst P. Horst oder Erwin Blumenfeld ikonische Bilder, die Mode, Kunst und Avantgarde miteinander verbanden. Die Modefotografie interagierte mit Kunstströmungen wie dem Surrealismus. Auch Artdirectoren wie Alexander Liberman oder Alexey Brodovitch beeinflussten das Erscheinungsbild der Modefotografie massgeblich, indem sie die Fotografie in den Kontext von Layout und Typografie stellten und mit ihrer avantgardistischen Ästhetik stilbildend wirkten. Modefotografie ist auch heute noch eine Kollaboration, an der nicht nur Fotografen und Artdirectoren, sondern auch Modedesigner, Redakteure und Stylisten beteiligt sind.
Auch wenn die Modefotografie bis heute eine kommerzielle, in Magazinen veröffentlichte oder für Werbekampagnen verwendete Auftragsarbeit ist, haben sich im Laufe des 20. Jahrhunderts Protagonisten herauskristallisiert, die den Weg zum autonomen Kunstwerk geebnet haben.
So prägten Fotografen wie Richard Avedon und Irving Penn in den 1940er- und 1950er-Jahren die Ästhetik der Modefotografie. Später in den 1970er-Jahren revolutionierten Fotografen wie Helmut Newton und Guy Bourdin die Bildsprache der Modefotografie, die fortan weit über die Darstellung von Mode hinausging. Modefotografen begannen das Medium zu nutzen, um Geschichten zu erzählen, gesellschaftliche Themen zu reflektieren oder experimentelle Bilder zu schaffen.
Anfang der 1980er-Jahre war die Künstlerin Cindy Sherman eine Wegbereiterin für das Crossover von zeitgenössischer Kunst und Modefotografie. Auch der österreichische Künstler Erwin Wurm setzte seine Idee der «One Minute Sculptures» 2009 in einem Editorial mit Claudia Schiffer für die deutsche Vogue um.
Die Grenzen zwischen Kunst und Modefotografie wurden im Laufe des 20. Jahrhunderts zunehmend fliessender und die Modefotografie hat sich seither nicht nur als Genre in der Fotografiegeschichte, sondern auch als Teil der Kunstwelt etabliert.
Richard Avedon, Lillian Bassman, Erwin Blumenfeld, Horst P. Horst, Peter Knapp, Annie Leibovitz, Peter Lindbergh, Steven Meisel, Tyler Mitchell, Norman Parkinson, Irving Penn, Herb Ritts, Franco Rubartelli, Cindy Sherman, William Silano, Larry Sultan, Mario Testino, Tim Walker, Erwin Wurm
Carte Blanche
Unter der legendären Chefredakteurin Franca Sozzani erlangte die Vogue Italia zwischen 1988 und 2016 eine herausragende Stellung in der Modewelt. Sozzani transformierte das Magazin zu einer Plattform für experimentelle und oft provokative Modefotografie und war sich um die Macht der Bilder bewusst: «Ich glaube an die Macht der Bilder, aber auch an die Macht derer, die sie interpretieren.» Sie gewährte den Fotografen eine unvergleichliche kreative Freiheit (Carte Blanche), die es ihnen ermöglichte, mit innovativen Konzepten und radikalen Bildstilen zu experimentieren.
Das Paradebeispiel für diese unkonventionelle Zusammenarbeit war Steven Meisel, der während Sozzanis Amtszeit exklusiv jedes Cover der Vogue Italia fotografierte. Sie scheute sich nicht, gesellschaftlich relevante oder kontroverse Themen wie Rassismus, Umweltzerstörung oder Schönheitsoperationen in die Modewelt zu tragen. Unter ihrer Ägide entwickelte sich Vogue Italia zu einer intellektuellen und künstlerischen Plattform, die nicht selten den Zeitgeist der Modebranche definierte und veränderte.
Die fast 400 Cover, die Steven Meisel zwischen 1988 und 2016 für Vogue Italia fotografierte, zeugen von der wichtigen kreativen Interaktion zwischen der Chefredakteurin und dem Fotografen. Diese heute ikonischen Titelblätter werden erstmals in einer einzigartigen Zusammenstellung von Originalfotografien gezeigt – ein archivarisches Gesamtkunstwerk, das als Auftragsarbeit von Nicola Erni initiiert und von Steven Meisel realisiert wurde.
Silvie Fleury – Solofokus
Die Genfer Künstlerin Sylvie Fleury ist bekannt für ihre Inszenierungen von Glamour, Mode und Luxusartikeln der modernen Welt. Indem sie die Objekte in einen neuen Kontext stellt, hinterfragt sie die Macht von Statussymbolen, die zu Fetischen des Konsums geworden sind. Zwischen Pop-Aneignung und minimalistischer Ästhetik verwischen Fleurys Arbeiten die Grenzen zwischen Kunst, Werbung und Mode und hinterfragen Stereotypen und Konsumkultur. Ihre Arbeit jedoch ist nicht unbedingt eindeutig, denn sie selbst liebt den Konsum ebenso sehr, wie sie ihn entlarvt. Mit ihrer verführerischen Verwendung von Modecodes und vorgefertigten Kompositionen appelliert sie in einer Art Neo-Pop-Glanz an unsere Konsumwünsche und Fetischvorstellungen.
Das hier gezeigte Ensemble verschiedenster Arbeiten von Sylvie Fleury bildet als Ganzes eine Gegenüberstellung von zeitgenössischer Kunst – in Form von Installation, Tapete und Objekten – und Modefotografie als Appropriation Art.
Hassan Hajjaj – Solofokus
Der anglo-marokkanische Künstler Hassan Hajjaj, der auch als «Andy Warhol von Marrakesch» bekannt ist, verbindet Elemente der Haute Couture mit marokkanischer Tradition und Strassenkultur. Mit farbenfrohen Kompositionen, gemusterten Hintergründen, Textilien und typisch marokkanischen Plastikmatten schafft er sein eigenes Universum, in dem nicht nur Fotografie und zeitgenössische Kunst verschmelzen, sondern auch Orient, Okzident – und Pop Art. Seine eigens für die Sammlung in Auftrag gegebene Rauminstallation ist in sich ein «Mix & Match» aus Kunst, Mode und Fotografie.
